Coproduction avec les Théâtres de la Ville de Luxembourg, l’Opera Ballet Vlaanderen et le Teatro della Maestranza de Séville
Avec le soutien de
GÉNÉREUX DONATEUR CONSEILLÉ PAR CARIGEST SA
Œuvre
On a souvent interprété le défilé de péripéties et le caractère épique de cette œuvre de jeunesse de Giuseppe Verdi comme un appel à la lutte de libération nationale qui aboutira finalement à l’unité italienne. Mais cette mission plus ou moins divine d’insurgence, qui sacralise en passant ses représentants, Zacharie ou Verdi, ne repose finalement pas vraiment sur l’idée de l’unité mais bien sur celle de la différence. Car si Nabucco thématise bien sûr l’exil du peuple juif en captivité à Babylone avec son fameux « Va, pensiero », l’opéra met encore plus en avant, peut-être sans le vouloir, une particularité de la pensée rabbinique, l’idée du « retrait » du divin comme une présence de l’absence. Fondée sur la destruction de son temple, ce n’est pas sur la « toute-puissance » du divin dans le monde mais plutôt sur la béance du gouffre, comment s’élever sur cette cassure, que se construit l’identité du judaïsme. Ainsi lorsque Nabucco, dans le premier acte, se moque de l’absence de Dieu, celui qui devrait les protéger, il ne croit pas si bien dire et se retrouve en situation miroir à la fin de l’œuvre lorsqu’il s’incline devant le même Dieu pour sauver sa propre fille, lui qui s’était autoproclamé dieu. Aujourd’hui, identité, religion et nationalisme s’entremêlent et créent la formule corrosive de la plupart des populismes modernes qui essayent de cacher cette incomplétude originelle par une construction de vérités absolues et mensongères. Manque et identité, exil et pouvoir, populations déplacées ou décimées, ces migrations forcées à l’intérieur d’une nation ou même au sein d’une communauté sont des thèmes avec lesquels Christiane Jatahy joue toujours à nouveau, entre fiction et réel, scène et vidéo. La metteure en scène, cinéaste et auteure brésilienne à qui a été attribué en 2022 le Lion d’or de la Biennale de Venise pour l’ensemble de son œuvre théâtrale, donnera un nouveau corps à la métaphore de la bible utilisée par Verdi, en y introduisant comme elle a l’habitude dans ses lectures des classiques, la parole de ceux qui résistent encore aujourd’hui aux quatre coins du monde, du Moyen-Orient à l’Amazonie, en passant par l’Afrique du Sud et arrivant jusqu’à nous. Pour elle, raconter l’histoire, c’est aussi se poser la question de comment la changer, ainsi que notre monde actuel. Dans ces jeux de miroirs et de reflets identitaires, du chœur au public, des personnages chantants aux muets, le maestro sera à nouveau Antonino Fogliani qui affinera, avec les musiciens de l’Orchestre de la Suisse Romande, les différences et les concordances, en consonance avec une distribution de belcantistes extraordinaires, entre autres Riccardo Zanellato, Nicola Alaimo et Saioa Hernandez que l’on retrouvera après son passage remarqué dans Guillaume Tell en 2015.
Découvrez toutes les activités qui gravitent autour de la production.
Intropéra 45 minutes avant le spectacle
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Vite, vite ! La cloche ne sonne pas encore mais 45 minutes avant le spectacle, on se rafraîchit la mémoire, on s’éveille au printemps de l’opéra : un petit avant-goût qui vous rapporte les clés de l’œuvre et vous guide à l’intérieur des mondes merveilleux, apocalyptiques, critiques ou hyperréalistes créés par les équipes artistiques pour chaque production. Vite, vite, le temps d’attraper un verre de bulles au pas- sage et vous voilà assis(e) sous le plafond scintillant des mille et un opéras !
45 minutes avant chaque représentation
Entrée libre avec le spectacle
Foyer du GTG
Apéropéra Jeudi 25 mai à 18h30
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Autour de Nabucco
Pour clore la saison des Apéropéras, tout en restant dans notre thématique des « Mondes en migration », quoi de mieux qu’une incursion dans le répertoire de la musique d’Al-Andalus, entre mélodies séfarades, mélopées arabo-andalouses et cantiques de Marie. Ce seront les spécialistes Françoise Atlan et le joueur de quanun Nidhal Jaoua qui nous baladeront dans l’utopie rêvée de la convivencia, en écho aux éclats verdiens de notre Nabucco.
Jeudi 25 mai 2023
Dès 18h30
Entrée CHF 25.—
Premier drink compris (hors cocktails et champagne)
Foyer du GTG
COMPLET
Cinéopéra Samedi 27 mai à 18h
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Hommage et découverte à la fois, CINÉOPÉRA propose une carte blanche à des personnalités du monde de l’opéra et du ballet qui hanteront notre maison au cours de la saison.
Pour ce dernier rendez-vous de la saison, les Cinémas du Grütli accueillent la metteure en scène Christiane Jatahy pour présenter Bamako (2006) d’Abderrahmane Sissako.
Samedi 27 mai 2023
À 18h
Aux Cinémas du Grütli de l’Espérance
Autour de Nabucco : Initiation à la scénographie avec Valeria Pacchiani
Le Temple de Salomon, le Palais de Babylone, ses jardins suspendus… Le livret de Nabucco se déroule dans des lieux exceptionnels, et offre la possibilité de réfléchir sur l’espace scénique.
Les participants, par groupes, et accompagné de la scénographe Valeria Pacchiani, auront la possibilité de réaliser la maquette de leur Nabucco rêvé !
Samedi 3 juin 2023 à 11h
À partir de 12 ans
CHF 15.- / CHF 10.- tarif jeune
Au Foyer du Grand Théâtre de Genève
Attention, nombre de places limité!
Éclairage Mercredi 7 juin à 18h30
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Nabucco : Des « rives de Babylone » à « Va’ pensiero », tradition et dérive d’un Psaume
Une conférence présentée par Sandro Cometta et Pierre Michot en collaboration avec l’Association genevoise des amis de l’opéra et du ballet.
En lien avec la nouvelle production de Nabucco au Grand Théâtre, nous vous proposons un voyage musical qui ira du chant grégorien à Arvo Pärt, en suivant le fil rouge du Psaume 137 de la Bible.
Puis, nous nous focaliserons sur le célèbre chœur de Verdi, afin d’en déceler le sens « originel » ; très éloigné de la mythologie patriotique qui a suivi.
Mercredi 7 juin 2023
À 18h30
Au Théâtre de l’Espérance > plan d’accès
Pour fêter la musique ensemble, le Grand Théâtre vous invite sous les étoiles, dès que la nuit commence à tomber, au parc des Eaux-Vives.
En entrée libre, venez vivre Nabucco de Giuseppe Verdi, sur grand écran, le vendredi 23 juin 2023 à 21h.
Une soirée à la belle étoile, les pieds dans l’herbe et la musique de Verdi dans les oreilles. Dans les yeux, le ciel, le lac et l’opéra fameux de Verdi. Bars et location de transats disponibles sur place. Une nuit inoubliable à ne pas manquer !
Infos pratiques
Nabucco de Giuseppe Verdi
Opéra chanté en italien avec sous-titre en français
Projection en plein air sur écran géant
Vendredi 23 juin 2022 à 21h
Durée : 2h
Entrée libre
Parc des Eaux-Vives
Comment venir ?
TPG : bus 2, 6, NS – arrêt Parc et plage des Eaux-Vives
Mouettes : Genève-Eaux-Vives (lac) ou Genève-Plage SMGN
Voiture : Parking P+R Genève plage
En coulisse Dimanche 25 juin
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N’avez-vous jamais rêvé de guigner de l’autre côté du rideau juste après le spectacle ? De voir comment tout l’appareil fonctionne ? De passer subrepticement en coulisse et voir les femmes et les hommes de l’ombre s’affairer à remettre la scène en état ? Et qui sait, croiser une ou un artiste de la représentation que vous venez de vivre ?
À l’issue de la représentation du dimanche 25 juin, guidés par un des responsables techniques de la production, vous pourrez ainsi passer de l’autre côté et découvrir monts et merveilles. Profitez-en, vous pouvez poser toutes les questions qui vous passent par la tête. Et en plus c’est gratuit.
La visite des coulisses dure approximativement 20 minutes et démarre 15 minutes après le spectacle. Entrée libre avec le spectacle sur réservation préalable auprès de notre service billetterie par courriel [email protected].
Pedro Vituri est artiste et concepteur sonore et producteur de musique avec une formation en composition au Berklee College of Music et des années d’expérience au studio de production Capitão Foca. Il travaille pour des médias tels que le cinéma, la publicité, l’animation, le théâtre, les expositions interactives et les vidéos musicales. Son travail a été récompensé à Cannes et au Festival du film brésilien de Los Angeles. Vituri a collaboré à des productions qui ont été présentées dans des lieux tels que le Boston Museum of Fine Arts ou le Cent-Quatre à Paris.
Giulia Bolcato
Soprano
La soprano Giulia Bolcato a déjà interprété de nombreux rôles principaux, notamment Euridice dans L’Orfeo ou Belinda dans Dido & Aeneas. Elle a également joué des rôles tels que Fanny dans La Cambiale di Matrimonio, Sofia dans Il signor Bruschino, Ninetta dans La Gazza ladra et Elvira dans L’Italiana in Algeri de Rossini. Elle a fait ses débuts dans le rôle de la reine de la nuit à l’Opéra royal de Suède, puis elle chante Gilda dans Rigoletto au Teatro Regio de Parme, Serpina dans La serva padrona et de Lucy dans Le téléphone de Menotti au Teatro Pergolesi de Jesi. Elle a également chanté Dinah dans Trouble in Tahiti de Bernstein et Oscar dans Un ballo in Maschera de Verdi. Elle se produira cet été dans le rôle de Gabriel dans La Création de Haydn au Festival de Salzbourg. Membre du Jeune Ensemble du Grand Théâtre, elle se produira la saison prochaine dans les rôles de La voix du Ciel dans Don Carlos et de Marianne dans Le Chevalier à la Rose.
Paulo Camacho
Réalisateur, monteur vidéo
Paulo Camacho est réalisateur de cinéma, monteur et DOP. Il collabore pour la première fois avec Christiane Jatahy en 2011 sur la création de Julia, et, après avoir participé au projet d’occupation artistique Rio Occupation London, il se plonge dans la réalisation d’Utopia.doc, projet de vidéoinstallation s’inscrivant dans la création de What if they went to Moscow ?. Cette collaboration perdure sur Fidelio au Théâtre municipal de Rio de Janeiro, « La Forêt qui marche », « La Règle du Jeu », « Ithaque », « Le présent qui déborde » et « Entre chien et Loup ». Parmi la vingtaine de réalisations qu’il a signées en tant que directeur de la photographie, on peut citer Velha História, court-métrage de Claudia Jouvin (prix ABC de la cinématographie étudiante), les courtsmétrages Sete minutos et Engano de Cavi Borges, le longmétrage Riscado de Gustavo Pizzi, le programme télévisé en vingt-huit épisodes Oncotô réalisé par Daniel Tendler ainsi que les séries Meus dias de rock et Ferrugem.
Júlio Parente
Artiste multimédia
Originaire de Rio de Janeiro, Júlio Parente est artiste multimédia. Depuis 2008, il développe des projets dans les domaines des arts visuels, du théâtre, de l’architecture, de la musique et de la technologie. Au cours des dernières années, il a travaillé comme eclaragiste, réalisateur audiovisuel, artiste multimédia et musicien. Il a reçu le prix d’architecture Tomie Ohtake et Arkzonobel pour le projet COTA 10, avec Pedro Varella (2015). Il a reçu le Lion de Bronze à Cannes pour le projet Natural Medium développé chez Tatil Design. Il est sélectionné avec son opéra multimédia STYX au festival SESC PULSAR en 2023. En tant qu’artiste et performeur, il a été sélectionné pour des résidences au Brésil et dans le monde. Depuis 2011, il est programateur en technologie vidéo pour les pièces de la réalisatrice Christiane Jatahy
Batman Zavareze
Vidéaste
Batman Zavareze est un concepteur et un commissaire de festival ayant travaillé en tant que directeur artistique ainsi qu’en tant qu’artiste visuel pour de grands spectacles musicaux et des expositions d’art. Batman a assuré la direction visuelle créative de grands spectacles tels que Marisa Monte, Tribalistas, Roberto Carlos, Planet Hemp, Rubel et Kronos Quartet. Il a également participé en tant que directeur artistique aux Jeux olympiques de Rio 2016 et, plus récemment, a créé et dirigé des musées immersifs au Brésil, notamment le Musée du son et de l’image de Ceará. En outre, il a assuré la direction artistique de l’inauguration du président Lula da Silva, un événement historique auquel ont assisté 600 000 personnes et qui a été retransmis en direct dans le monde entier. Le travail de Batman démontre sa capacité à explorer un large spectre de collaborations multidisciplinaires. En 2023, Batman célébrera le 18e anniversaire du festival d’art numérique Multiplicidade.
Marcelo Lipiani
Scénographe
Architecte et designer, Marcelo Lipiani débute sa carrière de scénographie en 1997 en collaboration avec Christiane Jatahy, misant sur des conceptions scénographiques non conventionnelles. Au cours de sa carrière, il a reçu plus d’une vingtaine de prix et de distinctions et a participé à la Quadriennale de scénographie de Prague ainsi qu’à la Biennale de Venise en 2015.
Davide Giusti
Ténor
Au répertoire du chanteur figurent des pièces d’opéras pour la plupart véristes : Rinuccio (Gianni Schicchi), Alfredo Germont (La traviata), Peppe (Pagliacci), Rodolfo (La Bohème), ainsi que Nemorino (L’elisir d’amore), Don Ottavio (Don Giovanni). Son répertoire de concert comprend des parties de ténor dans la Missa Sanctæ Cæciliæ de Haydn, le Requiem et la Grande Messe en ut mineur de Mozart, le Messiah de Händel, le Stabat Mater de Rossini et la Neuvième Symphonie de Beethoven. Il a participé à des festivals d’opéra en Italie tels que le Reate Festival (Rieti), le Festival dei Due Mondi (Spoleto), le Festival Valle d’Itria (Martina Franca) et le Rossini Opera Festival (Pesaro). Sa discographie comprend : la Petite Messe solennelle de Rossini (Brilliant Classic, 2014), I Capuleti e i Montecchi de Bellini (Glossa, 2015), Il Natale degli Innocenti de Rota (DECCA, 2015) et Le Braci de Tutino (Dynamic, 2015). Il a participé avec succès à des concours internationaux prestigieux, tels que l’Ottavio Ziino à Rome, où il a reçu le prix spécial « Franco Corelli » et « Comunità Europea » à Spolète, où il a remporté le prix « Cesare Valletti ».
Riccardo Zanellato
Basse
Régulièrement invité par Riccardo Muti dans de nombreuses productions au Teatro dell’Opera de Rome (entre autres Iphigénie en Aulide, Moïse et Pharaon, Macbeth, Nabucco, Simon Boccanegra), il collabore avec des institutions comme La Scala de Milan, Regio de Turin, Arena à Vérone, Massimo à Palerme, Verdi Festival à Parme, Palau de les Arts Reina Sofia à Valence, Liceu à Barcelone, Nederlandse Opera à Amsterdam, Rossini Opera Festival à Pesaro, San Carlo à Naples, Opernhaus à Zurich, Vlaamse Opera à Anvers, Opéra de Lausanne et Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Il a aussi interprété le Requiem de Verdi dans des salles prestigieuses sous la direction d’importants chefs d’orchestre, notamment au Festival Verdi de Parme, au Festival de Ravenne, en tournée en Italie et en Slovénie, à Naples sous la baguette de Muti, à Moscou au Festival Rostropovitch et en tournée avec le Teatro Comunale de Bologne.
Saioa Hernández
Soprano
Jeune star de la scène lyrique depuis ses débuts couronnés de succès, Saioa Hernández a récemment excellé sur le circuit international lors de l’ouverture de la saison 21–22 du Teatro alla Scala de Milan dans le rôle d’Odabella (Attila) sous la baguette du Riccardo Chailly. Elle s’est produite dans des théâtres importants à travers le monde, à Barcelone, Melbourne, Catane, Genève, Rio de Janeiro et Séoul entre autres. Elle a interprété des rôles tels que Suor Angelica, Madama Butterfly, Tosca, Aida et aussi des rôles de bel canto tels que Norma, Violetta ou Lucia di Lammermoor. Saioa Hernández a reçu de nombreux premiers prix dans des concours internationaux dont le prix Manuel Ausensi à Barcelone en 2009, le prix Vincenzo Bellini en 2010, et le prix Jaume Aragall à Barcelone 2010. Elle a aussi remporté le prix de la meilleure voix féminine de l’année 2016 en Espagne.
Né à Barnaoul en Russie, Roman Burdenko a remporté de nombreux concours de chant prestigieux, notamment les Premier prix du Concours international d’Opéra de Moscou en 2011. Parmi ses engagements passés, citons Alfio de Cavalleria rusticana et Tonio de Pagliacci au Grand Théâtre de Genève, le rôle-titre du Prince Igor au Théâtre Bolchoï de Moscou, Stankar de Stiffelio à l’Opéra de Bilbao, Dunois dans une version de concert de La Pucelle d’Orléans de Tchaïkovski au Grand Théâtre de Genève, Renato d’Un ballo in maschera au Deutsche Oper de Berlin, Enrico de Lucia di Lammermoor à l’Opéra de Las Palmas, Alfio et Tonio à l’Opéra de Zurich. Il a fait ses débuts au Festival Gergiev de Rotterdam dans Ivan le Terrible de Prokofiev, a chanté Ford de Falstaff au Festival de Glyndebourne avec Mark Elder et Richard Jones, Tomsky de La Dame de pique au Théâtre Mariinsky.
Le début de la carrière de Nicola Alaimo a été marqué par certains rôles dans d’importantes productions, tels que Conte di Luna (Il Trovatore) à Ravenne, Procolo (Le convenienze ed inconvenienze teatrali) à Bergame ; Pharaon (Moïse et Pharaon) à La Scala ; Sharpless (Madama Butterfly) à Torre del Lago ou Don Pasquale (rôle-titre) dans une production du Festival de Ravenne en tournée à Cologne, Paris et Liège, sous la direction de Riccardo Muti. Sa collaboration avec le Rossini Opera Festival de Pesaro, dont il est devenu un artiste de référence au fil des ans, rencontrant un succès considérable dans La Cenerentola, Il barbiere di Siviglia, Guillaume Tell et bien d’autres titres encore, est particulièrement remarquable. Récemment, il a été engagé sur les plus grandes scènes d’opéra telles que l’Opéra national de Paris, le Metropolitan Opera de New York, le Covent Garden de Londres ou La Scala de Milan. Nicola Alaimo est lauréat du prestigieux prix Abbiati 2016.
An D’Huys a étudié à l’académie Koninklijke Fashion d’Anvers. Depuis 1988, elle travaille comme conceptrice de costumes pour le théâtre. Elle a fait partie pendant 11 ans de l’équipe de conception d’Ann Demeulemeester et travaille depuis 2002 avec Ivo van Hove. Elle a ainsi collaboré à Lazarus (New York Theatre Workshop), Vu du pont (The Young Vic), La Source vive, Antigone, Kings of War et Othello (Toneelgroep Amsterdam), Médée, Maris et Femmes (Simon Stone, Toneelgroep Amsterdam) et Le Misanthrope (Schaubühne Berlin). An D’Huys a par ailleurs collaboré avec Ivo van Hove dans le cadre de productions d’opéra comme le Ring de Wagner (Vlaanderen Opera) et La clemenza di Tito de Mozart (La Monnaie). Avec Anne Teresa De Keersmaeker et Rosas, An D’Huys a collaboré aux productions Quartet, Bitches Brew et Kassandra.
Thomas Walgrave
Scénographe / Éclairagiste
Né en 1965 à Anvers, Thomas Walgrave étudie l’histoire de l’art à l’Université de Gand et l’anthropologie cognitive au Center for Comparative Knowledge Systems. De 1987 à 1992, il devient collaborateur du Centre des arts anversois Monty et d’un grand nombre de compagnies flamandes et internationales. Depuis 1991, il fait partie de la compagnie de théâtre tg STAN (BE). Responsable de la scénographie et de la mise en lumière de plus de 50 productions de la compagnie, il voyage avec ces productions en Europe, aux États-Unis, au Moyen-Orient et en Afrique du Nord. Il collabore en tant que scénographe et designer lumière avec de nombreux artistes. De 2008 à 2018, il a été directeur artistique du Festival Alkantara de Lisbonne, ainsi que du centre de recherche artistique et de résidences Alkantara. Il a enseigné à l’école Forum Dança pour les arts du spectacle à Lisbonne. Depuis 2017, il travaille avec Christiane Jatahy sur divers projets en tant que collaborateur artistique, scénographe et éclairagiste.
Née à Rio de Janeiro, Christiane Jatahy est à la fois auteure, metteuse en scène et cinéaste. Elle est diplômée en théâtre et en journalisme et est titulaire d’un Master en art et philosophie. Depuis 2003, sa démarche consiste à confronter divers genres artistiques. En approfondissant la relation entre le théâtre et le cinéma, elle a créé Julia, une adaptation de Mademoiselle Julie de Strindberg, présentée et primée dans de prestigieux festivals internationaux et théâtres européens. En 2021, elle dévoile Entre chien et loup au festival d’Avignon, une étude sur les mécanismes du fascisme, à partir du film Dogville de Lars Von Trier et puis une étude du machisme toxique dans Before the Sky Falls en octobre et une autre de l’esclavage et de ses conséquences sur le racisme structurel dans Depois do silêncio. Christiane Jatahy est artiste associée dans plusieurs théâtres à Paris, Zurich, Boston et Milan.
William Meinert a entre autres remporté le premier prix du concours Shreveport Opera Mary Jacobs Smith Singer of the Year 2022 et de la Houston Grand Opera Eleanor McCollum Competition 2019. Il a récemment été diplômé du programme Cafritz Young Artist du Washington National Opera, où il a interprété Sarastro dans Die Zauberflöte et le Secret Police Agent dans The Consul. Il a chanté le Commendatore dans Don Giovanni, le Commentator dans Scalia/ Ginsburg de Derrick Wang Vodník dans Rusalka et le Duc dans Roméo et Juliette. En tant qu’artiste en résidence à l’opéra de Santa Fe, il a interprété Hjarne et Corbin lors de la première mondiale de The Thirteenth Child de Poul Ruders en 2019. Il s’est produit dans la 9e Symphonie de Beethoven, les Vêpres de Monteverdi et Le Messie de Haendel. William Meinert fait partie du Jeune Ensemble du Grand Théâtre de Genève.
Omar Mancini
Ténor
En octobre 2018, il a fait ses débuts en tant que ténor solo dans la Petite Messe solennelle de Rossini dans le cadre du 150ème anniversaire de la mort du compositeur. En septembre 2019, Omar Mancini a fait ses débuts au Capri Opera Festival avec le rôle de Rinuccio de Gianni Schicchi. En 2021, il obtient son diplôme de musique vocale de chambre du Conservatorio Giuseppe Verdi de Milan avec mention cum laude. En novembre 2021, il est sélectionné pour la Bottega Donizetti à l’Opéra Donizetti où il chante dans le spectacle C’erano una volta due bergamaschi…. En décembre 2021, il interprète le Gardien dans Acquaprofonda de Giovanni Sollima au Teatro Sociale de Côme. En janvier 2022, il est Horatio / La Voix imaginaire de Lélio dans Lélio ou le Retour à la vie de Berlioz au Teatro Regio de Turin. Il a aussi chanté Il Conte Bandiera dans La scuola de’ gelosi de Salieri au Teatro Regio de Turin en mai 2022 et au Festival della Valle d’Itria en juillet 2022. Omar Mancini est membre du Jeune Ensemble du Grand Théâtre.
Julieth Lozano
Soprano
Après ses études au Royal College of Music de Londres, la soprano colombienne Julieth Lozano intègre le National Opera Studio de Londres lors de la saison 2019/20. Au cours de la saison passée, elle fait ses débuts au Welsh National Opera lors de l’Expo 2020 différée de Dubaï, dans la nouvelle production d’Al Wasl, dans le rôle de Zayed/Young Mary. Par la suite, elle retourne au Longborough Festival Opera dans le rôle de Waldsvogel (Siegfried) et aussi dans son pays natal, la Colombie, dans le rôle de Susanna (Le nozze di Figaro) sous la direction de Martin Haselböck. Finaliste du Concours Kathleen Ferrier en 2020, Julieth est apparue dans le documentaire de la BBC « Queen Victoria : My Musical Britain » enregistré en 2019 aux palais de Buckingham et de Kensington. En 2016, elle a participé à l’Académie de Georg Solti et au Project Opera du Festival de Verbier. Elle s’est produite au Royal Albert Hall et dans de nombreux autres lieux à travers le monde.
La mezzo-soprano croate, Ena Pongrac a été formée aux Universités des Arts de Graz et de Berlin et elle approfondit sa formation auprès notamment de Christa Ludwig, Gundula Janowitz, Brigitte Fassbaender ou encore Anne Sofie von Otter. En 2016, elle fait ses débuts en Zerlina (Don Giovanni) au Jyväskylän Ooppera en Finlande, où elle est retournée en Mercedes (Carmen) la saison suivante. En 2017/18, elle incarne Hänsel (Hänsel und Gretel) au Junge Oper Schloss Weikersheim. Les rôles contemporains font aussi partie de son répertoire, comme Madame Lapérouse dans Melusine d’Aribert Reimann et Lana dans Exit Paradise d’Arash Safaian. Au cours de la saison 2018/19, Ena Pongrac a été membre de l’Opernstudio OperAvenir au Theater Basel où elle interprète, entre autres, Alisa dans Lucia di Lammermoor, Trommler dans Der Kaiser von Atlantis, Dinah dans Trouble in Tahiti et Kate Pinkerton dans Madama Butterfly, puis la saison suivante des rôles dans Andersens Erzählungen et Schellen-Ursli. En 2020/21, elle est membre de l’ensemble du Theater Basel. Au Grand Théâtre, membre du Jeune Ensemble, elle s’est produite sur la saison 22/23 dans Maria Stuarda (Anna Kennedy) Parsifal (Une fille fleur et 2ème Écuyer) et Nabucco (Fenena).
Fondé également en 1962, le Chœur du Grand Théâtre de Genève se compose de plus de quarante chanteuses et chanteurs professionnelles de toutes nationalités, auxquels s’ajoutent, selon les besoins de la programmation, des choristes complémentaires. Ils participent chaque saison aux productions lyriques du Grand Théâtre sous la direction d’Alan Woodbridge.
Depuis sa création en 1918, l’Orchestre de la Suisse Romande – d’Ernest Ansermet, son fondateur, à Jonathan Nott, en poste depuis cinq ans – a pu compter sur pas loin de 700 musiciens pour établir sa réputation. Il est aujourd’hui composé de 112 musiciens permanents, représentés par 16 nationalités différentes. L’OSR joue chaque année plus de 80 concerts, dont une vingtaine à l’étranger. Il assure les concerts d’abonnement à Genève et Lausanne, les concerts symphoniques de la Ville de Genève, le concert annuel à l’occasion de la journée de l’ONU, ainsi que les représentations lyriques au Grand Théâtre de Genève. Sa réputation s’est bâtie au fil des ans grâce à ses enregistrements historiques et à son interprétation des répertoires français et russes du XXe siècle. L’OSR a également su se renouveler lors de la crise sanitaire en allant à la rencontre du public, que ce soit en déambulant dans sa roulotte ou face à un unique spectateur dans des lieux insolites ou en streaming.
Formation de réputation mondiale, sous la baguette de son chef fondateur, puis de ses directeurs musicaux successifs (Paul Klecki 1967-1970, Wolfgang Sawallisch 1970-1980, Horst Stein 1980-1985, Armin Jordan 1985-1997, Fabio Luisi 1997-2002, Pinchas Steinberg 2002-2005, Marek Janowski 2005- 2012, Neeme Järvi 2012-2015), de son principal chef invité Kazuki Yamada (2012-2017) et du chef britannique Jonathan Nott, l’Orchestre de la Suisse Romande a toujours contribué activement à l’histoire de la musique avec la découverte ou le soutien de compositeurs contemporains. L’OSR a notamment participé à la création des œuvres d’Igor Stravinski, Darius Milhaud, Arthur Honegger, Frank Martin, André-François Marescotti, Benjamin Britten, Witold Lutosławski, Heinz Holliger, William Blank, Peter Eötvös, James MacMillan, Pascal Dusapin ou encore Michael Jarrell. C’est d’ailleurs toujours une de ses missions importantes : soutenir la création symphonique, et particulièrement suisse.
Lancé en 2019, le programme d’artiste en résidence, avec notamment le compositeur Yann Robin, puis le pianiste Francesco Piemontesi et le violoniste Frank Peter Zimmermann permet à l’Orchestre de nouer de riches relations artistiques et de réaliser de dynamiques échanges. Daniel Harding a été nommé chef en résidence en 2021-22 pour deux saisons. La création d’un nouveau poste de chef.fe assistant.e auprès de Jonathan Nott pour la saison 2022-23 permettra sa lauréate, Ana María Patiño- Osorio, de préparer le programme de concerts, d’enregistrements, d’opéras et de tournées, et d’acquérir une expérience précieuse dans la gestion d’un orchestre.
Collaborant étroitement avec la Radio Télévision Suisse dès son origine, l’Orchestre de la Suisse Romande est très tôt diffusé sur les ondes radiophoniques, donc capté par des millions de personnes à travers le monde. Grâce à un partenariat avec Decca (plus de 100 disques), qui donne naissance à des enregistrements légendaires, l’OSR confirme sa présence sur la scène musicale mondiale. Il a enregistré avec une dizaine de labels internationaux des disques qui ont reçu de nombreuses distinctions. Actuellement en partenariat avec Pentatone, l’OSR enregistre deux à trois albums par saison dont les deux derniers avec Jonathan Nott.
Les tournées internationales de l’OSR le conduisent dans les salles prestigieuses d’Europe (Berlin, Londres, Vienne, Salzbourg, Paris, Amsterdam, Moscou, Saint-Pétersbourg, Madrid) et d’Asie (Tokyo, Séoul, Beijing, Shanghai, Bombay), ainsi que dans les grandes villes des continents américains (Boston, New York, San Francisco, Washington, São Paulo, Buenos Aires ou Montevideo). Pour la prochaine saison, l’OSR partira deux fois en tournée à l’étranger : avec des concerts notamment en Hongrie (Budapest), en République Tchèque (Brno), en Allemagne (Brême, Düsseldorf, Cologne, Münich), en Belgique (Anvers) ou encore en France (Lille).
L’OSR est l’hôte de nombreux festivals, citons, depuis 2000, le Budapest Spring Festival, les Chorégies d’Orange, le Festival de Música de Canarias, le Festival de Pâques, le Lucerne Festival, Les Nuits Romantiques à Aix-les-Bains, le Festival de Radio France et Montpellier, le Gstaad Menuhin Festival, le Septembre Musical de Montreux, le Festival International de Santander, les Robeco Zomerconcerten à Amsterdam, le Grafenegg Festival en Autriche et les BBC Proms de Londres. L’OSR a également créé son propre festival : depuis 2020 il se produit à Genève-Plage, aux bords du Lac Léman avec des artistes comme Yoav Levanon, Marzena Diakun ou encore Francesco Piemontesi.
L’une des missions de l’OSR est de promouvoir la musique symphonique auprès des jeunes d’aujourd’hui qui deviendront le public de demain et d’offrir une large palette d’activités. Celles-ci comprennent notamment les parcours pédagogiques qui préparent les enfants à venir aux concerts avec divers ateliers proposés en amont, les Concerts pour petites oreilles avec possibilité d’essayer des instruments, les Concerts en famille au Victoria Hall, les concerts scolaires et répétitions ouvertes aux classes en collaboration avec le département de l’instruction publique (DIP) de l’État de Genève. L’Orchestre réalisera comme chaque année une tournée en Suisse romande afin de permettre aux écoliers de tous les cantons romands de l’écouter.
L’Orchestre de la Suisse Romande est soutenu par la Ville de Genève, la République et canton de Genève, le canton de Vaud, la Radio Télévision Suisse, les associations genevoise et vaudoise des Amis de l’OSR et de nombreux sponsors et mécènes.
Depuis son succès au Festival Rossini de Pesaro en 2001 avec Il viaggio a Reims, Antonino Fogliani est devenu une référence de la musique italienne, autant sur le plan lyrique — il est régulier à La Scala de Milan, du Teatro Regio de Parme, du Teatro dell’Opera de Rome et du San Carlo à Naples — que pour la musique symphonique, le maestro ayant dirigé des orchestres comme ceux de Santa Cecilia, de la Fondazione Toscanini de Parme et du Regionale Toscana de Florence. Le chef italien assure depuis 2011 la direction musicale du Festival Rossini de Wildbad et enseigne au Conservatoire Tartini de Trieste. Récemment, il a dirigé La Cenerentola, La Traviata et Norma à Oslo, Maria Stuarda à Monte- Carlo, Lucia di Lammermoor à Düsseldorf, au Bayerische Staatsoper et au Deutsche Oper am Rhein et Tosca à Vérone. Au GTG il a dirigé Aïda (2019), La Cenerentola (2020) et Turandot (2022).
Alan Woodbridge
Directeur des chœurs du Grand Théâtre depuis 2014, le travail d’Alan Woodbridge est empreint par la vigueur, l’exigence et l’intense musicalité de son approche. Chanteur de formation, organiste et pianiste, étudiant à Trinity Cambridge et au Royal College of Music de Londres, il travaille entre autres à Londres, Amsterdam, Tokyo, Dresde, Paris ou San Francisco. Il a été chef de chœur à l’Opéra de Lyon pendant 18 saisons, participant aux productions et enregistrements avec des équipes de renommée internationale. Citons la TrilogiePouchkin avec Kirill Petrenko et Peter Stein. Il a reçu un Grammy pour l’enregistrement de Doktor Faust de Busoni. Alan Woodbridge est Chevalier des arts et des lettres.
Dramaturge du Grand Théâtre depuis 2019, Clara Pons a étudié la philosophie à l’Université libre et le piano au Conservatoire royal de Bruxelles, avant de se tourner vers la vidéo et le théâtre. Elle a travaillé comme assistante à la mise en scène entre autres au Theater Basel, à l’Opéra de Francfort, et à l’Operaballet Vlaanderen. Son adaptation du Schwanengesang de Schubert a été montrée notamment à la Monnaie, au Komische Oper Berlin, au Theater an der Wien et au Norske Opera Oslo. En 2013, elle a présenté son film Irrsal/Forbidden Prayers dédié aux Lieder de Hugo Wolf à la Tonhalle de Düsseldorf, puis en tournée en compagnie de plusieurs orchestres, dont le Philharmonique de Rotterdam. S’en est suivi en 2015 le film Wunderhorn, une adaptation des lieder de Mahler créé au Klarafestival avant de faire l’objet d’une tournée européenne. En 2017, son film sur Harawi de Messiaen a été créé au Singel. Son dernier film, Lebenslicht, adapté des cantates de Bach et présenté en première mondiale au Concertgebouw Brugge en janvier 2019, est le fruit de la collaboration avec Philippe Herreweghe et le Collegium Vocale Gent. Clara Pons travaille aussi comme vidéaste pour la scène lyrique ; son travail interroge la relation entre narration, musique et image.
Sidi Larbi Cherkaoui
Chorégraphe
Figure de proue de la scène contemporaine belge, Sidi Larbi Cherkaoui compte plus de 50 chorégraphies à son actif et une série de prix dont deux Olivier Awards, trois prix « meilleur chorégraphe de l’année » de Tanz et le Kairos Prize 2009. Bien connu de la scène genevoise, il quitte la tête du Ballet Vlaanderen, avec lequel il a crée Fall (2015), Exhibition (2016) et Requiem (2017), pour prendre la direction du Ballet du Grand Théâtre de Genève dès juillet 2022. En 2018, Cherkaoui s’associe avec Damien Jalet et Marina Abramovic pour la production de Pelléas et Mélisande à Anvers, puis pour Boléro à l’Opéra national de Paris. Ses mises en scène pour l’opéra comptent aussi Les Indes galantes de Rameau, Alceste de Gluck et Satyagraha de Glass. Son affinite avec le ballet et l’opéra a donne naissance a certaines de ses œuvres les plus durables, ainsi qu’à de passionnantes collaborations interdisciplinaires avec des artistes visuels, des designers et des musiciens. Il ouvre la saison 22/23 du Ballet du Grand Théâtre avec sa création mondiale Ukiyo-e, pièce sur la résilience et l’impermanence.
